Durch Hrvoje Milakovic /12. Oktober 202112. Oktober 2021 Manchmal, wenn man sich auf neues Terrain wagt, starten ihre Projekte nicht immer mit Überschallgeschwindigkeit. Nehmen wir zum Beispiel die peruanische Filmemacherin Claudia Llosa. 2009 drehte sie den Oscar-nominierten Film „The Milk Of Sorrow“ in ihrer Muttersprache, der von der Kritik hoch gelobt wurde. Dann beschloss sie, der englischen Sprache mit ihrem Drama „Aloft“ im Jahr 2014 zu trotzen, das leider keinen Erfolg hatte. Während sieben Jahre in der Welt des Kinos vielleicht nicht so lang sind, fühlt sich ihr jüngster Streifzug, „Fever Dream“, eine Adaption von Samanta Schweblins gleichnamigem Roman aus dem Jahr 2014, wie eine willkommene Rückkehr aus der Wildnis an. Der Film wurde beim San Sebastian Film Festival 2021 uraufgeführt und soll am 13. Oktober auf Netflix erscheinen.
Bei diesem Feature dreht sich alles um gemütliche Häuslichkeit, die von unheimlichen Eindringlingen grob unterbrochen wird und ziemlich gut spielt, wenn man sie spät in der Nacht alleine ansieht. Es ist ein Psychothriller, in dem zwei Mütter befürchten, dass die Seelen ihrer Kinder davongeweht sind, und sich als wacher Albtraum entfaltet.
Obwohl der Spielfilm Berichten zufolge in Chile gedreht wurde, spielt er in Argentinien und zeigt auf wunderschöne Weise die sonnenverwöhnte, mit Steinen gesprenkelte Landschaft, die als atemberaubende Kulisse des Films dient. „Fever Dream“ zeichnet die faszinierende Begegnung zwischen zwei sehr unterschiedlichen Müttern auf. Da ist zum einen die opulente Amanda, gespielt von Maria Valverde, die für ihre Sommerferien in Begleitung ihrer beschaulichen Tochter Nina eine Rolle von Guillermina Sorribes Liotta in ein abgelegenes Hinterland verbracht hat, während ihr Ehemann Marco, verkörpert von Guillermo Pfening, bleibt wieder zu Hause, voll in seine Arbeit vertieft.
Auf der anderen Seite ist ihre neue Nachbarin und die einheimische Schönheit Carola eine Rolle von Dolores Fonzi, die auch die Mutter von David ist, gespielt von Emilio Vodanovich. Jetzt leidet David an einer Kinderkrankheit, die seine Mutter dazu zwang, die Hilfe eines örtlichen Glaubensheilers zu suchen, der anscheinend den kranken Teil der Seele ihres Sohnes in einen anderen Körper überführte und eine Hülle seines früheren Selbst hinterließ, von der die Mutter behauptet, dass sie nicht annähernd wer ist ihr Sohn war. Sie versucht, eine gute Nachbarin zu sein und kommt mit Eimern voller Wasser, während sie die neuen Bewohner vor dem unseriösen Leitungswasser warnt.
Natürlich glaubt Amanda als Stadtbewohnerin Carolas Geschichten nicht; Es dauert jedoch nicht lange, bis auch sie bemerkt, dass mit David etwas seltsames nicht stimmt, und sie macht sich bald Sorgen, dass ein Teil des Geistes ihres süßen, liebevollen Mädchens Ninas abschweifen könnte, und sie wird auch krank. Man kommt nicht umhin, sich zu fragen, was in der abgelegenen Gegend krank sein könnte, und rät, ob es das Wasser, die Pestizide sind, die auf den Feldern verwendet werden, oder etwas Außergewöhnliches.
Die Eröffnungssequenz zeigt einen vollwertigen Horrorfilm, der extreme Nahaufnahmen von zerstückelten menschlichen Körperteilen zeigt. Eine Frau wird gezeigt, wie sie von unsichtbaren Kräften über einen feuchten, dichten Waldboden gezogen wird, während die Stimme eines Jungen sie auffordert, wach zu bleiben, was das Publikum dazu bringt, herauszufinden, was los ist.
Da Llosa ihrem Stil treu bleibt, kreist auch dieser Titel um die Aspekte gequälter Mütter, mysteriöser Wunderheiler und einer natürlichen Welt voller Pracht und Bösartigkeit. Das Tempo ist beeindruckend abgehackt, wobei sich der größte Teil der Handlung über den Dialog zwischen Amanda und David entfaltet, in einem Austausch, den das Publikum nur hören, aber nicht sehen oder vollständig verstehen kann.
Die britische Komponistin Natalie Holt, die vor allem für die Komposition der Partituren in „Paddington“ und der jüngsten TV-Serie „Loki“ bekannt ist, erschafft einen faszinierenden Sound, der die Gefühle der Romantik in Kombination mit dem Zwitschern exotischer Vögel hervorruft.
Das ganze Feature ist ein bisschen verrückt, aber sehr schön, mit außergewöhnlichen Bildern wie einem Mann, der sich um einen Mustang kümmert, der in einer Silhouette gezeigt wird, die wie ein Zentaur aussieht, wenn ihn jemand zum ersten Mal sieht. Diese Bildsprache schwingt mit dem zentralen Thema der ausgewanderten Seelen und bestialischen Individuen mit. Die von Oscar Faura fachmännisch gemachte Kinematographie hilft dabei, eine einzigartige stilistische Balance während des gesamten Films aufrechtzuerhalten. Die Grafik wird mit fortschreitender Erzählung fesselnder und richtet sich auf das große Geheimnis aus, das das zentrale Mysterium ruhen lässt, während es ein weiteres, stärkeres aufreißt.
„Free Dream“ ist ein Film, der nicht so viel zeigt, wie er schwitzt. Die eindrucksvollsten Szenen strahlen eine immense Mütterpanik aus, die so stark ist, dass der Zuschauer förmlich fühlen kann, wie der Titel zwischen Leben und Tod driftet. Die fließende Struktur ist voll von Beweisen, die David dringend auf ihre Relevanz hin diagnostiziert, als ob er dem Publikum Anweisungen geben würde, wie man die Geschichte, die er scheinbar mehrmals im Voraus entfaltet hat, am besten beobachten kann. Im Allgemeinen ist die Handlung nicht wirklich ein Rätsel, das es zu lösen gilt.
Diese Funktion gehört nicht zu denen, die sich schnell weiterentwickeln. Im Gegenteil, es ist wie eine Reihe von Bögen angelegt, und das Drehbuch aus der Feder von Llosa und dem ursprünglichen Autor Schweblin durchforstet sie wie ein Arzt, der nach einer tödlichen Krankheit sucht, so wie der Roman aufgebaut war. Der einzige Unterschied besteht darin, dass der Dialog in dem Wälzer im sokratischen Format zwischen dem Besserwisser David und Amanda geschrieben wurde, die auf ihr Sterbebett starrt, während sie todkrank im Krankenhaus liegt, während ihr Gehirn mit dem zu schmelzen beginnt Aus Angst, von einer Person befragt zu werden, kann sie nicht sehen, wie sie an ihrer leidenden Seele hängt. Llosas Adaption übernimmt die volle Kontrolle über den Körper des Publikums, so dass es nie die Sinne verliert, sondern es nur manipuliert, um einen kurzlebigen unangenehmen Moment zu erzeugen.
In Wirklichkeit konzentriert sich „Fever Dream“ stark auf den Wahnsinn, der damit einhergeht, jemanden zu sehr zu lieben, sodass es zu einer immensen Herausforderung wird, ihn gehen zu lassen. Die Herangehensweise des Films an das zentrale Thema ist nicht geradlinig, daher ist das Feature an sich nicht aufregend. Dennoch geht es um die Frage, wie Eltern ihre Kinder immer danach sehen, wer diese Kinder einmal waren, auch wenn es schwierig ist zu verdauen, wer sie geworden sind oder was wirklich droht, ihr Leben zu beenden. Während „Fever Dream“ tiefer in den Öko-Horror eintaucht, der es inspiriert hat, treibt Llosa es zu dem dunklen Verständnis, dass die meisten Eltern sich mehr auf das Morgen ihrer Kinder konzentrieren, als dass sie nicht sehen, was sie bereits durchgemacht haben.